小劇場密密演
7A班戲劇組《大笑喪：喪笑大晒》的創作歷程，可追溯至該團繼2002年《想死》後，於2007年推出的姊妹作《大笑喪》，前者是一個死囚求生的演出，後者反之而行，是一個瀕死老翁不想被救的求死故事，他們在2016年大刀闊斧重寫劇本為《大笑喪：喪笑大晒》，在港上演，並於去年和今年分別在上海和韓國釜山演出，現在再於香港表演。
探討生命，當然是Universal，但該戲劇組藝術總監一休當初可沒想過有那麼多下文，但一路走來，「兩個演員，一正一反，加上既是音樂人也是敘事者的角色，構成了7A班戲劇組獨有風格。這個品牌能否走下去？我是樂觀的。」
一休偕7A班戲劇組近年多次到韓國交流演出，相對以百老匯、工業化模式發展的首爾戲劇界，他稱「釜山是另一個世界」，當地藝團跟香港的一樣在資助制度下生存，當地演出單位盼走藝術路綫而非工業化走向，小劇場密密演。
跟外地單位合作
雖然《大笑喪：喪笑大晒》一開始便表明故事發生在任何地方，也就是說，在哪裏演出都可以，但因語言不同，釜山觀眾只能追字幕，其反應便與香港的有所不同，「因為要看字幕，時間延遲，儘管嬉笑怒罵，但遲了一秒，他們就不敢笑出來，但不能直觀演出，反而看得更冷靜，更專心思考演出命題。」相對香港演出，或許本地觀眾太投入到笑料中，有時忘了命題，「笑了就算。」
另外，年齡差別，也導致反應不一，「釜山觀眾年齡分布廣，既有長者也有小童，相對香港多為年輕、中年觀眾，前者或更能貼近角色心境，他們的心態，也不像港人那麼需要被娛樂，而會好好思考一套戲。」至於上海觀眾，會在演出看到「精妙」、「刁鑽」等香港創作元素，這些都是不在外地演出便難以察覺。
走過上海、釜山，現在《大笑喪：喪笑大晒》於香港再度上場，有否摻雜之前不停演出的經驗，加以琢磨？他點點頭，「在上海演出後，我們便發現，劇作風格還沒拿揑得好。」經過技術調整，一休已一口氣省掉劇本四千字，減少鋪排，銳意劇場化，節奏明快多了。
近年本地藝團、創作人多了外地演出機會，一休卻指出，一次半次異地交流，沒有下文，對劇團成長意義不大，他更期望跟外地藝術單位合作，「好像賣出版權，由別人來演你的劇，或者跟外地演員、創作人，合作演戲，或更有衝擊性。」
身體很誠實
比起《大笑喪：喪笑大晒》，綠葉劇團的《孤兒》走過更多路，這套改編自家喻戶曉中國民間故事《趙氏孤兒》的肢體劇場，五年來到過以內地為主的二十多個城市演出，經過手法、內容等調整，現在的版本已跟最初的大有變化，「巡演是我們創團時已有的想法，一個故事，不能只排練幾個月、正式演出一次便算，因為作品需要成長，演員也跟着一起成長。」
善以身體講故事的黃俊達，指《孤兒》演員之間關係，就像夾Band一樣，有共同創作語彙，每次調整，大家都很期待，「就像歐洲劇團運作一樣。他們現已愈來愈成熟。」他的做法是，先做好作品，外地主辦搞手相中，自然會買，「在香港，要做新作才較易申請資助。」
內地觀眾看慣話劇、大戲，對肢體劇場、手法簡約的《孤兒》感到好奇，迸發更多想法，反應熱烈，就像種子散開去，相對而言，他形容香港觀眾多為「自己友」，接觸該劇，即使不常看見這種形式，仍很快就掌握大概，「香港觀眾醒目，看過很多東西。」他們也到過三藩市演出，場地是一個海邊劇場，捧場客有銀髮族、華僑等等，因在海邊，演出時偶有海鷗叫，叫他們印象很深。
黃俊達近年從小眾劇場跨足大型演出，於4月擔當劉松仁一手策劃的音樂劇《利瑪竇》執行導演，也剛為鄭秀文演唱會其中四首歌曲出任形體演出導演，他覺得身體與生俱來，人會被身體吸引，而身體總是誠實的，所以是很重要的媒介，放在演出的框架裏，寫實、抽象、風格化皆可，形體表演，沒分界限，演員不是出來行台位那麼簡單，速度、節奏、呼吸、動態，同樣重要。
「我們有劇本，亦應該有動作劇本，很靠演員發掘，先理解動作與表演之間的關係，才使用得到這件『工具』。」他正在發掘身體還有甚麼力量和可塑性，「譬如不動，都有戲。」
「孤兒」繼續闖蕩，快高長大，「可能是這個時代需要這台戲。」
（2019年8月22日，星島日報，副刊P01．Focus）
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