陳果新片《那夜凌晨，我坐上了旺角開往大埔的紅VAN》（下稱《紅VAN》），香港在一夜之間，沒有了。
「香港人就是這樣，明明一直放在眼前，又不去珍惜，到沒了才懂得追憶。」
有看他上一齣短片《迷離夜：驚蟄》的觀眾，無不對梁震嬰打小人一幕，印象深刻，他剛說出的一番話，彷彿添上了政治語境。
「我們導演都在拍拍拍，如能在觀眾心裏留下些甚麼，那就成功了。」
馬來西亞航空客機，可以飛上半空然後失蹤，《紅VAN》便是一個《Lost》的故事。當天陳果看了Pizza暢銷網絡小說《紅VAN》，覺得車子過了獅子山隧道，整個世界變得不一樣，香港成了一個空城，乘客拼命找出因由，過程滿布懸疑驚慄，這個點子有趣，便決定開拍電影。
過往陳果拍出不少由他原創故事的電影，但對於原創還是改編，他沒有偏好。「沒有人會拒絕好東西，作為一個創作人，如果連接受別人創作的心胸都沒有，那就自困了。」看過原著的觀眾，會發現電影出現不少改動，其中對白加插一句半句社會議題，博得觀眾笑聲，而粗口橫飛也成了笑點。「要有導演的Signature。」
《紅VAN》容易化成影像嗎？他搖搖頭。「寫就幾頁紙，拍就很傷腦筋。沒有畫面，只看文字，你會驚，但電影你看到驚嚇場面，最多驚一次，下次再來，就不怕了。」陳果說，恐怖影像不可怕，最可怕是人心。「這幾年間，你看到香港社會不斷變遷、矛盾愈來愈大，會有共鳴的。」刻意通過電影表達政治訊息？他笑着說：「你可以說我『抽水』，『抽水』又如何？而且當一套電影跟這個社會掛鈎，對白根本不用度，也會自自然然走出來。」
《紅VAN》在外地影展放映後，陳果告訴觀眾，會有續集。「做完第一集，要留條尾巴，反應好就再來。」原著小說也分上、下集，那麼續篇會是根據小說下集改編吧？「下集難改，場景難搭，我都不知怎樣做。」對《紅VAN》的預期？「應該OK，『過到骨』。」淡定泰然。
不是要你驚就算
陳果一九九七年開始上映的「香港三部曲」《香港製造》、《去年煙花特別多》、《細路祥》，叫人津津樂道，也成了當年許多電影系、人文系學生的研究文本。他指其實所有港產片都在講香港，但不一定就會關懷生活和社會，而且太過吃重明星和電影類型，往往忽略其他值得關注的東西。「於是給我找到一個好位置拍攝。」譬如《香港製造》以屋邨文化，為片子漆上了主色調。
「從前以屋邨為背景的電影不少，但沒有甚麼人在戲中研究屋邨的生活狀態。」談到《香港製造》等電影，他得意起來：「賣到片，奈它不何。受外國歡迎的港產片，多為動作片，但我覺得『Culture』也很重要。『Culture』是甚麼？就是生活嘛，不一定只靠打靠殺。」好像最近上映的印度片《美味情書》，他就看得很過癮。
「那就是『Culture』，但許多人都忽略了。其實香港有很多好題材，譬如搓麻將，你可以談到很深的文化和精神層次，但導演只懂拍『出千』。」相反，陳果最想探討的，是人心，舊作《大鬧廣昌隆》、《三更2之餃子》、《迷離夜：驚蟄》都是恐怖片，《紅VAN》也走懸疑路綫，但他的創作意圖，不是要你驚了就算。「我總是把鬼片拍做文藝片。」
「香港三部曲」、「妓女三部曲」有Noise，但及後陳果好像沒了影蹤，當然《三更2之餃子》、《成都我愛你》、《迷離夜：驚蟄》，都引起關注，但全是短片，篇幅不多，給人心裏留下的分量就輕了，而且也似乎減退了昔日陳果的味道。「其實是故意不去拍的，坦白說，我也要生存，這類獨立片子在香港的市場十分小。」
無謂浪費青春
曾到各地影展的陳果，以「熱愛」兩字，來形容一幫外地影迷對港片的追捧之情，他也覺自豪。「他們會主動跟你說，看港片長大，字裏行間，你會發現港產片在他們生命中留下很深的意義。」相對而言，現在本地電影的勢頭弱了不少，他難免感到可惜。「電影投資者不再關注港產片，覺得合拍片才能生存，在商言商，無可厚非，但作為香港觀眾，就覺得沒了香港的味道，相對而言，內地觀眾可能也會覺得不三不四。」
許多電影人都有市場計算，陳果呢？「我說沒有就騙你，就算拍《香港製造》都有，青少年問題是世界性的，事實證明，該片受到外國影迷、影展單位關注。」《紅VAN》賣得到去內地市場嗎？「我覺得都幾難，這套片有些意識形態，內地未必認同。」除非修改某些情節。「譬如強姦一幕，簡簡單單帶過便算也可以；戲中福島核電廠，跟香港鄰近核電廠爆炸，改少少也可以，但想到要等待漫長的審批過程，便作罷了，無謂浪費青春。」
（2014年3月27日，星島日報，副刊E05‧文化廊‧文化氣象）
藝術展覽，不一定要親歷其境，現在科技發達、網絡便捷，不少藝術團體都以網絡為媒介，發展藝術展示平台。網「賞」藝術，會否成為一股新浪潮？
比博物館意義更多
當亞洲尤其是中國藝術市場，日漸壯大，不少藝術機構近年都在香港、內地開展業務，部分朝著寬廣的互聯網世界發展，好像去年正式投入運作的Artshare.com，便打著全球首個專營亞洲現代及當代藝術網上交易平台的旗幟，不僅定期舉辦網上展覽，還通過網絡平台，進行藝術品買賣活動，他們的登場，標誌著一個新興藝術市場形式的誕生。
最近的本地文化藝術界，也迎來另一個較為大型的網上藝術活動，博物館大樓計劃於2017年年底竣工的西九文化區M+，首度舉行網上展覽《NEONSIGNS.HK探索霓虹》，促成他們一系列「游擊」展覽的第七場活動。
「不要把博物館和建築混為一談，建築物只是工具，博物館有更多意義。」M+行政總監李立偉博士如是說：「舉行一個傳統的實體展覽，你會想到怎樣搞開幕、如何開展計劃，但舉辦數碼展覽時，當你考慮怎樣鼓勵更多人參與其中，會發現必須花更多的力氣。」
《NEONSIGNS.HK探索霓虹》舉辦前，M+收藏了兩個具標誌性的本地霓虹招牌，包括自1977年已掛在西營盤扒房森美餐廳的霓虹牛招牌，以及雞記麻將館的公雞招牌，該分店於1976年在觀塘開設，現已結業，這次網上展覽可說是其藏品的伸展和變奏，以及招徠公眾對霓虹招牌的集體研究。展覽中，他們將邀請本地藝術家，為霓虹燈進行一系列相關創作，包括藝術家兼設計師黃炳培（又一山人）、作家胡晴舫、藝術家黃仁逵、攝影師夏永康、藝術家黃國才等等，創作媒介包括文字、照片和錄像作品。
互動更新便捷
《NEONSIGNS.HK探索霓虹》也體現網絡平台的功能——互動，公眾可上載照片及資料，一同參與描繪「霓虹地圖」，聯袂展示香港這個獨有的城市景觀。該數碼展覽亦善用網絡的迅速多變，內容將作不斷更新，包括論文、幻燈片、錄像、年表，從工藝與工業、設計與排版、都市化、電影、視覺藝術、文學及流行文化等角度出發，深入探索及展示香港的霓虹招牌。
「霓虹招牌這個快將消逝於香港街頭的都市景觀，的確令人產生懷舊情結，對扎根香港這座霓虹都市、以跨界別和視覺文化為主題的M+來說，霓虹招牌絕對是值得探討的課題。」M+設計及建築策展人陳伯康指，網上展覽是展現霓虹招牌創作和研究一個很好的方法，也能輕易得到公眾參與，而當未來M+博物館大樓興建完畢，他們可能會舉辦跟霓虹招牌相關的實體展覽。他又表示，M+正籌辦一個數碼平台，日後或有更多網上展覽舉行。如此說來，《NEONSIGNS.HK探索霓虹》大概只是M+數碼展覽的開端而已。
實體虛擬化，也有虛擬實體化。本地畫廊Artify Gallery，將與跟法國關係密切的本地街頭藝術網上平台Street Art Fever，舉辦實體展覽《當人類遇上大自然及詩歌》。《Street Art Fever》著重營運其網站業務，如展覽和銷售，但仍然時常跟不同藝廊合作，舉行實體展覽。「實體和虛擬，可以互補不足，這次跟他們合作，對我們也是新嘗試，讓我們了解更多網絡市場的運作。」Artify Gallery老闆Cherry Ho笑著說。
日子早晚會來
事實上，世界各地不少博物館，都有數碼化的伸延，Google便有《GoogleArtProject》的藝術計畫，跟其合作的博物館，為觀眾帶來充滿現場感的藝術觀賞體驗，鏡頭可在展廳內作三百六十度旋轉，展品亦以高解像度巨細無遺地呈現。Cherry不諱言這個Bussiness Model很新，潛力是有的，風潮可能早晚都會來，「香港始終租金昂貴，不是人人都可以負擔得起實體畫廊的開支，就算開了店，如非中、上環等畫廊林立的地段，也未必很方便顧客前來。」
她也一直有數碼畫廊的構思：「我們有跟不同Online Gallery和Online Selling Platform接觸，但現階段還未落實。」她覺得Online Gallery有著不受地域限制的優勢，只要做好運輸，就能做生意，「畫布可以捲起，雕塑則比較大件，在運輸上可能相當花費。」
不過，藝術品買家可能較注重質素，擔心在電腦熒幕看見的，跟真實的存在差異，而她觀察所得，網絡畫廊銷售藝術複製品，比較受歡迎，「如果是真跡，大家可能都想先親身欣賞，才付錢購買。」
她認為現時網上畫廊在外國比較普及，而且不少網站設計成熟，就連怎樣加框上架、尺寸如何，都可逐一揀選，保險等支援服務也很完善，但香港的市場暫時未成氣候，「香港的Online Gallery現時是起步階段，尚有許多進步空間。」
（2014年3月25日，星島日報，副刊E01‧今日館‧生活起義）
原諒筆者是多麼的後知後覺，當《引力邊緣》捧走今年奧斯卡十一項提名中的七個獎項，包括最佳導演、最佳攝影、最佳原創音樂、最佳音效及最佳剪接等等，成為大贏家後，我才不執輸的走進戲院捧場，選一個杜比全景聲影院觀賞，讓自己恍如置身外太空之中。也不知怎的，叫我想起太空搖滾來。
一步一驚心
知道《引力邊緣》憑配樂獲獎，音樂當然成了筆者看戲時一大焦點。由於要表達外太空場景，該片不乏背景寂靜得刺耳的「音效」，又或者以低迴少變化的電音，劃破漆黑天際，一方面表達缺乏空氣的宇宙聲音無法傳遞的實感，以及呈現人們和物件緩慢拖曳的動態，一方面令氣氛營造出無形但沉重的抑壓，於是主角莉恩史東（珊迪娜布洛飾），拾取物件、抓住太空船、太空垃圾來襲、呼吸（喘氣）的聲響，便給無窮放大，也有遇上危難時漸次奏起的巨響，儼如雄猛的山雨欲來，漆黑宇宙頓時成了危機四伏的恐怖場景，也像脾氣古怪隨時張牙舞爪的龐大怪物——這種猶如恐怖片配樂的手法，叫觀眾按捺不住心驚膽顫起來，隨著莉恩史東的一舉一動，一步一驚心。
總括而言，《引力邊緣》為觀眾帶來了點到即止的精準配樂，而在這樣精簡的音樂背景下，莉恩史東在太空站機艙，通過無綫電通訊聽到從地球單方面傳來不知名男子哼唱歌謠，以及電影開首另一角色特科沃斯基（佐治古尼飾），播放音樂娛人娛己，變得突出，也跟其餘時間的簡約布局作出對比，給人感受孤立帶來的窒息和恐怖。如果一套電影，絕大部分時間只得女主角一人推演劇情，對白、配樂同樣簡練，場景不多（雖然宇宙無限大），卻仍然予人驚心動魄、盪氣迴腸的震撼感覺，那是多麼的了不起，《引力邊緣》便是這麼樣的電影了。
冷峻迷幻飄逸
《引力邊緣》由年僅三十六歲的英國音樂家Steven Price，擔任配樂師，去年除了《引力邊緣》，還交出了《The World's End》的配樂工作，前作則是二○一一年的《Attack the Block》，除了《引力邊緣》，他參與的都是名不經傳的電影，這次獲獎肯定讓年輕的他事業更進一步。
該片那種冰冷卻又蘊藏了爆發力的音樂氛圍，其實很Mogwai，雖然兩者不盡相同，但後者血脈裏就是充斥着太空搖滾（Space Rock）那種冷峻、迷幻飄逸的音色濃度，而《引力邊緣》那種浩瀚宇宙的氣魄，又似是跟鋪排起承轉合交響樂的後搖滾（Post Rock），有一點點的連繫，好像最後一曲點題作《Gravity》，便由靜態轉而動態，並通過喊叫聲表達激昂情緒。
觀乎西方音樂發展，太空搖滾最早用來描述Pink Floyd等樂隊，以電子合成器、結他實驗音樂，譜上科幻或天文主題的前衛樂章，David Bowie於一九六九年寫成的《Space Oddity》，其MV也有太空漫遊的畫面。不過，談到太空搖滾，最為樂迷津津樂道的，要數Spacemen 3，以及隊中主將Jason Pierce和Peter Kember（Sonic Boom），於後來分別創立的Spiritualized和Spectrum，他們為上世紀八、九十年代太空搖滾復興，合力填寫了一頁新族譜，當中Spiritualized的《Ladies and Gentlemen We are Floating in Space》，也開宗名義的為當時的新世代太空搖滾，寫下新註腳。異星探索之旅
上世紀九十年代的太空搖滾，成了獨立音樂其中一個別樹一幟的有型風潮，部分沒有打正旗號的樂團，也多少承襲了太空搖滾之風，或以此為好點子，譬如Brit-pop名團The Verve的早期專輯，便有濃郁的新迷幻、太空搖滾味道，雖然後來愈趨朝向Brit-pop路線前行，好像第三張唱片《Urban Hymns》的《Bittersweet Symphony》和《The Drugs Don't Work》，簡直是Brit-pop其中兩首經典作，但筆者還是更愛他們的處子專輯《A Storm in Heaven》。
也想起美國電子音樂人Moby，於二○○二年發表專輯《18》中的太空人扮相，雖然碟中音樂跟太空搖滾未必扯得上邊，但其Downtempo、Ambient House的冰冷電子節拍，彼此還是如出一轍的。如此說來，法國電子組合Air，在一九九八年出版的《Moon Safari》，會是比Moby的《18》更早在月球等異星進行探索之旅的型格電音。
一套《引力邊緣》，居然喚起筆者對太空搖滾、太空音樂的回味熱情，可說始料不及，或許筆者實在太久沒有「太空漫遊」了。而新世代的太空搖滾，無可否認已經褪色，似乎須在科幻片中重新領會，那麼下一齣如《引力邊緣》的精采科幻電影，會是何時出現？
（2014年3月14日，星島日報，副刊E07‧文化廊‧享樂主義）
今屆奧斯卡最佳原著劇本《觸不到的她》，未必算是一部劃時代電影，但戲中講述的超現代式愛情，的確是過去所不能企及的。
是的，今時今日，愛情已變得虛擬化、電子化，先不說該片開首輕描淡寫的Phone Sex，今天人們以WhatsApp、facebook傳情，大概比面對面談心多得多，更有許多網絡情緣發生。又例如《我的機械人女友》、《援膠女郎》等日韓電影，已觸及非人類戀人的情事，《觸不到的她》中人類愛上沒有實體的超級人工智能語音系統，會很難想像嗎？
《觸不到的她》主角菲奧多（祖昆馮力士飾），對人工智能語音助理莎曼珊（施嘉莉祖安遜聲演），從好奇、戀愛到分手，經歷了非一般的愛情體驗，這種比柏拉圖式性愛更加耐人尋味的戀愛故事，一旦觀眾投入其中，肯定大開眼界。
片中兩人「相距」不同維度、「踏足」不一樣空間，大概是世界上最遙遠的距離。叫筆者最深刻的是，末尾莎曼珊告訴菲奧多，如果他到了自己身處那一個境界，一定要去找她。那個「層次」的愛情，是否才叫完美呢？
（星島日報，2014年3月6日，副刊E05．文化廊．一席話）
朋友告訴我一個故事。
他們一行人登山去，有的領先，有的落後。他不是登山新手，每走一步都戰戰兢兢，也非資深前輩，一馬當先帶領隊伍方向，所以在隊中位置，既不前也不後，望着領隊大步走，瞻前顧後。
他們選的登山日子，可能不是時候，風雨不時襲來，但大部分人都能緊守崗位，然而，經過一場可怕的暴風雨吹襲，部分領隊受了傷。「方向是正確的，大家走吧。」是的，前面就是出路，但天氣仍然不穩，於是有隨隊的人，走了回頭路，或跟隨一些領隊走了別的路綫，朋友都動搖起來。
他沒有把故事說下去，卻問我一個問題：「如果你是我，你會怎樣？」
我笑了笑，幾乎沒有猶豫地答：「如果道路正確，豈有不走的道理？況且別的路徑，不一定就是安全，走回頭路的話，也可能遇上風雨。如果命運就在前方，就痛快迎接吧！」
他開懷的笑了起來，好像遇上知音似的，眼神堅定，然後彼此聊到另一個故事去。雖然沒有說出口，但他後來的抉擇，可想而知。
如果是你，又會怎樣選？
（星島日報，2014年3月5日，副刊E07．文化廊．一席話）
隨着各類大型國際展覽落戶香港，本地畫廊愈開愈多，包括過往少有經營的攝影畫廊，從本地到外地、從藝術到商業都有。攝影在本地藝術界的市場，能進一步擴大嗎？
當攝影技術、器材愈來愈平民化和普及，人人都成為攝影師，在街上看到人們手執一部專業相機，隨處街拍，十分普遍，但有趣的是，當許多人都喜歡攝影的時候，今天攝影畫廊卻不見開至成行成市，那又代表了甚麼？
在香港，打正旗號稱為攝影畫廊的，屈指可數，較多人關注的，包括剛撤出中環、全面進駐黃竹坑畫廊空間的Blindspot Gallery、石硤尾賽馬會創意藝術中心的光影作坊、位於柴灣一個獨特直立式樓梯畫廊AO Vertical Art Space、以黑房展開推廣攝影藝術旅程的黑點、剛搬到太子的百呎公園等等，其實各具特色，近年更有新成立的攝影畫廊和組織，或能開拓本地理論上數量龐大的攝影市場。
親身體驗不一樣
與幾位朋友2012年成立攝影組織「現在攝影」的賴憶南，覺得香港少有攝影畫廊，「日本、歐洲有許多攝影畫廊，即使觀眾要付入場費，也願意前往，但在香港，可能不用付錢都不去看。」在這個虛擬時代，他愈覺得親身接觸攝影、與人交流的重要性，「看到真的Print，體驗是完全不一樣。」
他稱「現在攝影」最初的概念，只是跟人分享攝影，做些快閃式的展覽，「哪裏有地方，就搞。」他們在這兩年間，便舉辦過多次展覽，都是打游擊式的到處展出，包括賽馬會創意藝術中心、美荷樓呼吸冰室等等，反而有突破攝影展覽固有形態的味道，好像賽馬會創意藝術中心那一次，攝影作品就掛滿不同樓層的走廊外牆上，甚為壯觀。
或許就是這種不一樣，讓志同道合者從四面八方來，「現在攝影」團隊現已遍及台灣、馬來西亞和日本，去年還在台灣高雄市駁二藝術特區舉行攝影展，他們也定期製作明信片，讓觀眾免費把藝術將創作帶回家，「將來可能融合更多創作元素，製作文創產品。」
他還想出許多鬼主意，包括利用投影機把攝影作品的影像，投影到攝影師身上，並由他即場解畫。「現在攝影」至今未有經營畫廊，但他指日後可能會有新嘗試，「今天香港的攝影畫廊，要麼純粹藝術，要麼商業賣相，將來我們走的路線，希望能夠兩者平衡。」
中產市場有潛力
去年12月成立、位於中環ifc的YellowKorner，是香港少有專營攝影作品的店舖。YellowKorner由兩位法國藝術愛好者創辦，逾七十家分店遍佈多個國家，在行內頗為有名，落戶香港之前，他們以新加坡分店打進亞洲市場。
YellowKorner在店內提供分為九個不同主題、合共約二千張的攝影作品，「希望增加藝術攝影的複印數量，令藝術攝影能夠接觸更多攝影愛好者和收藏家。我們選擇印製一千張賣六百元的作品，而不是十張賣六萬元的作品，盼為公眾提供負擔得起的藝術攝影——藝術不是一個價錢牌，而是一種感覺、情緒。」
YellowKorner大中華區主席潘雅德（ArthurdeVillepin），住在香港已超過四年，他認為除了香港，沒有其他地方更適合在亞洲開展業務，因為香港是面向中國市場的重要窗口。但他不諱言攝影在香港仍然是相當新的市場，而香港的攝影畫廊亦明顯不足，但他卻感到數量有上升趨勢，「香港的最大問題，是中產階級的（藝術消費）選擇不多，他們要麼走進畢打街那些昂貴的藝廊，要麼光顧國際連鎖品牌商店，但都希望以藝術品，令自己的家變得與別不同，來凸顯他們的個性和生活態度，所以，提供普羅大眾負擔得起攝影作品的YellowKorner，是有很大潛力的。」
光譜闊生態才健康
位於觀塘一幢工業大廈、面積逾千方呎的The Salt Yard，去年1月舉辦首個攝影展覽，創辦人之一岑允逸（Dustin）覺得本地攝影畫廊不多，其中一個原因，是觀眾沒有親身到現場觀賞攝影作品的習慣，因為通過網絡，已能完成整個觀展過程，「新一代甚至未見過Physical Prints。」他指普羅大眾習慣網上分享攝影，攝影只存在手機、iPad、電腦屏幕裏，「在網上看攝影，好像聽收音機，攝影書是CD，展覽才是Live。」
他又說，香港的攝影評論少之又少，而攝影教育在主流學府中，只活在藝術系、多媒體系之中，除了私人學院，就難以獨立成科，「本地攝影空間狹窄，成因太多。」這些年來，香港攝影畫廊相對多了，他覺得內地攝影水平和受關注程度，近年急速上升，當地一年舉行幾個大型攝影節，產生協同效應，不無關係，「鄰居做得那麼好，自己都不想失禮。」
他曾到日本的十多家攝影畫廊取經，「當地甚麼攝影畫廊都有，好像有位於佛堂的空蓮房，也有攝影師自家設立的『部屋式』小型工作室連畫廊，他們很認真的對待攝影作品，令觀眾都不敢鬆懈。」
回港後，他便着手籌辦The Salt Yard，有別於其他畫廊，The Salt Yard特別強調策展導向，而非單靠攝影師本身魅力招徠觀眾，新聞攝影記者出身的他，尤愛紀實攝影，着重作品背後的社會意義和脈絡，他在畫廊引進的多為香港人未必認識，卻都是優質、有內涵的外國攝影師，也正因如此，他們的外國觀眾，佔了三分一，「香港雖是國際都會，但其實人們的思維、視野，都很狹窄，談到日本攝影師，只知道森山大道、荒木經惟。」
他希望The Salt Yard能夠培養攝影觀眾、啟迪本地攝影師，而不僅是為業界提供一個展覽場地，「個個都是攝影師，卻沒有觀眾，生態也不健全。」於是每次展覽的翻譯、圖片說明，他無不下了很多工夫，「觀眾絕對需要指引，以認識更多作品和攝影師。」
他承認The Salt Yard的資源、人脈有限，是香港攝影界的邊緣社群，也不主動促銷作品，展出作品不一定必須填上銀碼，現時畫廊營運主要是靠自掏腰包維持，並從售賣攝影書的收入得到少量補貼，他表示會觀望兩年，前路怎樣，屆時再作打算，但再一次指出獨立攝影畫廊的重要性：「光譜要闊，我們有美術館、商業畫廊，也要有獨立畫廊，生態才會健康。」
（2014年3月3日，頭條日報）
在芸芸末日電影中，《末日公投》是有點特別的，因為它沒有把災前劫後的畫面，誇張放大繪影繪聲，反而是從一班哲學學生的腦袋中所想像出來的，但電影科技，便有把想像具象化、視覺化的功能，於是全片便在角色們的現實和想像之間進進出出，觀眾也得隨着節奏左搖右擺，時而代入時而抽離，逼着思考──是的，當末日在現實世界落空，那些人類滅絕的可怕景象，便僅僅存活在我們的思想空間、哲學思辯之中，其實該片很合乎實際。
有趣的是，片中三次「模擬末日」測試，無論學生如何選擇，包括篩選在防空洞前誰留誰去、怎樣對待老師這張「奇牌」，他們都難逃死亡的厄運（也有主動向死神招手的情況）。
我們大概可以把「末日」理解成「死亡」，死亡是無可避免的，於是重點便落在如何度過一生。「末日公投」，也就是人生的抉擇。
富於思考性的《末日公投》，有別於一般災難片、末日片，肯定不是所有觀眾都懂得欣賞，而結局那麼急轉筆鋒，也可能叫人無所適從。
（星島日報，2014年3月3日，副刊E07．文化廊．一席話）
